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Quel est le meilleur livre pour apprendre à dessiner en 2020 ?

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Nous avions tous l’habitude de dessiner quand nous étions enfants. C’était facile à l’époque, peu importe si vous utilisiez des crayons de couleur, un bâton ou votre doigt sur une fenêtre pleine de buée.

Mais même à cette époque, vous aviez peut-être remarqué que certains enfants dessinent mieux que vous. Et un jour, vous avez abandonné le dessin.

Savez-vous qu’avec seulement quelques techniques de bases vous pourriez redécouvrir cette passion du dessin et prendre plaisir à dessiner ce que vous voulez?

Vous voulez en savoir plus ? Vous êtes au bon endroit ! Nous vous avons regroupé les meilleurs livres et conseils sur cette page.

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Les 10 meilleurs livres pour apprendre à dessiner

Vous voulez être sûr(e) de ne pas être déçu(e) dès les premières pages ? Alors choisissez parmi cette sélection des meilleurs livres pour apprendre à dessiner, basée sur les avis de plusieurs centaines de lecteurs et lectrices !

No. 1
Les Bases Du Dessin 1
  • Album de grand format
  • Présenté étape par étape
  • Multitude d'illustrations de grande taille
No. 2
A la fin de ce livre vous saurez dessiner
  • 2 Pages - 01/03/2018 (Publication Date) - Dessain et Tolra (Publisher)
No. 5
Pokemon - J'apprends à dessiner les Pokemon
  • 144 Pages - 09/12/2018 (Publication Date) - Hachette Jeunesse (Publisher)
No. 6
Apprendre à dessiner
  • 304 Pages - 03/02/2007 (Publication Date) - TASCHEN (Publisher)
No. 7
Dessine kawaïï: 474 exercices amusants pour tout dessiner trop mignon
  • 128 Pages - 01/23/2020 (Publication Date) - Gallimard Jeunesse (Publisher)
No. 9
Apprendre à dessiner les Pokemon: Tous vos Pokemon préférés - livre de dessin pour les enfants (officieuse)
  • 107 Pages - 03/31/2020 (Publication Date) - Independently published (Publisher)
No. 10
Simplissime - Le livre pour dessiner les animaux Disney le plus facile du monde
  • 48 Pages - 09/11/2019 (Publication Date) - Hachette Enfants (Publisher)

Quelques conseils pour apprendre à dessiner

Mode de pensée

Pourquoi votre ami a t-il un talent “artistique” et pas vous ? C’est peut-être parce que votre ami utilise une partie du cerveau différente de la vôtre.

Votre ami peut “voir” les choses différemment de vous parce qu’il interprète ce qu’il voit d’une manière différente de la vôtre.

Il regarde le monde en termes de formes, de lignes, de couleurs et de relations entre ces choses.

Cette façon de voir est celle des artistes visuels, et elle leur permet de traduire le monde tridimensionnel qui les entoure en un dessin bidimensionnel.

Avez-vous déjà remarqué que lorsque vous vous lancez dans une activité qui vous plaît vraiment, le temps semble vous échapper ? Par exemple, en lisant un bon livre passionnant ou en écoutant votre musique préférée ?

Cela arrive parce que vous êtes en mode de pensée “visuel” ou “créatif”. Ce mode de pensée ne tient pas compte du temps et convertit ce que vous voyez en images et en sentiments dans votre esprit.

Lorsque vous lisez un livre, votre esprit visuel ou artistique prend les mots que votre esprit logique voit et les traduit en une image que vous voyez dans votre esprit.

Diriez-vous que vous êtes meilleur en maths qu’en dessin ? C’est peut-être parce que vous êtes plus à l’aise avec les zones logiques, pas à pas, centrées sur le temps, de votre esprit.

Tout être humain normal a deux modes de pensée : Le mode logique, symbolique, et le mode visuel, artistique.

Nous utilisons les deux modes tout le temps. Nous utilisons chaque mode séparément, et nous utilisons les deux modes ensemble. Nous utilisons chaque mode pour interpréter l’autre mode.

Votre esprit logique ne peut pas mettre sur papier un autoportrait parce qu’il vous dit sans cesse “Voici l’oreille, dessinez l’oreille” et “Voici l’œil gauche, dessinez l’œil gauche”.

Puis, “Non ! Cela ne ressemble pas à l’œil gauche ! Ce que votre esprit visuel fera, c’est “Voici une courbe de balayage qui croise cette ombre” et “Ces deux formes se combinent pour créer une certaine forme dans l’espace”.

Le fait que ce soit l’œil gauche n’a pas d’importance pour votre esprit artistique. Votre esprit visuel ne voit pas un œil gauche, il voit des lignes, des formes, des lumières et des ombres qui se combinent pour former une image complète d’un œil gauche.

Pour “dessiner ce que vous voyez”, vous devrez apprendre à dessiner des lignes, des formes, des lumières et des ombres qui se combinent pour former un dessin complet.

Votre esprit logique, qui étiquette tout ce qu’il voit, ne fera pas partie du processus de dessin.

Choisir le bon crayon

L’élément principal dont vous aurez besoin pour commencer à dessiner est un outil d’écriture.

N’importe quel outil d’écriture fonctionnera, mais vous commencez tout juste à apprendre et vous risquez de faire des erreurs. Nous voulons donc quelque chose où vous pourrez recommencer encore et encore.

Un stylo n’est donc pas l’outil qu’il vous faut. “Mais ils font des stylos avec des gommes”, dites-vous ? Allons, soyons honnêtes – ces choses n’effacent pas l’encre, elles ne font que mâcher le papier au point de ne plus pouvoir voir les marques de stylo.

Ce dont nous parlons ici, ce sont des CRAYONS ! De bons vieux crayons d’école primaire.

OK, pas vraiment. Le crayon que vous avez probablement utilisé à l’école primaire était un crayon n°2, et comme c’est un crayon, il peut être utilisé pour dessiner, mais beurk, ce n’est pas très “artistique”, c’est tellement “académique”.

Alors, quelle est la différence entre les types de crayons ? La différence se voit dans le type de mine.

La plupart des crayons utilisent un système qui mesure la dureté (écrit H) de la mine par rapport au noir de la marque qu’elle laisse (écrit B). À l’époque où l’on décidait du type de crayon que l’on voulait utiliser le plus, on choisissait un crayon de milieu de gamme – pas trop dur (H) et pas trop noir (B) – ce crayon est le n°2 que nous connaissons tous.

Le crayon n°2 est également connu sous le nom de crayon HB, et le crayon HB est le milieu de l’échelle de dureté à noir. La mine la plus dure d’un crayon est un crayon 9H, la mine du milieu est HB (ou No. 2), et la mine la plus noire est un crayon 9B.

types de crayons pour dessiner

Voici un visuel de ce à quoi ressemblent plusieurs mines de crayon. Cette image est en taille réelle afin que vous puissiez voir la qualité des différentes lignes.

4H et H ne tâchent pas du tout, mais la ligne est trop légère pour moi. N’oubliez pas qu’un autre nom pour le HB est le crayon n°2.

Personnellement, j’aime le 5B pour sa ligne sombre et sa capacité moyenne à faire des taches. Le 9B est joli et noir, mais il est trop bavard.

Quand je dessine, j’aime que mon crayon fasse des lignes très sombres, donc je tends vers un crayon 4B ou un 5B. C’est ce que j’utilise quand j’ai l’impression que je vais effacer une partie de ce que je dessine.

Pour l’artiste qui apprend les premiers pas en dessin, un n° 2 est bien, mais je suggérerais 4B ou 5B lorsque vous êtes plus confiant dans votre travail artistique.

Premiers pas

Faisons une pause ici et réfléchissons un peu à ce qu’est le dessin.

Le dessin, c’est de l’art. Ok, alors qu’est-ce que l’art ?

L’art est l’expression humaine de la pensée humaine. Il existe de nombreuses formes d’Art, et le dessin est l’une d’entre elles.

Le dessin découle de l’inadéquation d’une autre forme d’art – la parole ou l’écrit. Lorsque les mots ne peuvent pas transmettre ce que vous voulez exprimer, alors vous dessinez ce que vous voulez exprimer.

Et je pense que le dessin était et est toujours utilisé comme un langage universel.

Il n’est pas nécessaire de parler italien ou français pour que votre dessin soit compris en France ou en Italie. Et même si le dessin est une langue, il a ses limites.

La plus grande limitation est que nous perdons la troisième dimension. La surface de dessin (papier, tissu, béton, écran d’ordinateur…) n’affichera plus que la hauteur et la largeur.

Comme vous ne pouvez pas creuser dans la surface de votre plan de dessin, vous ne pouvez pas transmettre physiquement la profondeur. Dessiner, c’est traduire le monde tridimensionnel qui vous entoure en deux dimensions et créer l’illusion de profondeur.

Je pense que certaines personnes disent qu’elles ne peuvent pas dessiner parce qu’elles pensent que lorsqu’elles dessinent, elles doivent créer quelque chose que tout le monde pensera être de l'”Art”.

Et quand ils créent quelque chose qu’ils ne définissent pas eux-mêmes comme de l'”Art”, ils pensent qu’ils ont échoué et ils disent qu’ils “ne savent pas dessiner”.

Chaque dessin est de l’Art parce qu’il est l’expression d’une pensée humaine. Un dessin n’est pas “mauvais” – il ne s’est simplement pas déroulé comme vous l’aviez prévu au départ. L’art est dans l’œil du spectateur.

Votre esprit “artistique” doit connaître certaines choses pour que vous puissiez commencer à dessiner.

Votre cerveau connaît déjà ces choses inconsciemment, mais je ne fais que le signaler à votre esprit conscient pour que vous puissiez développer ces compétences.

Les compétences ou concepts que nous allons explorer sont : la ligne, la forme, la proportion et la perspective, la lumière et l’ombre, et enfin, l’ensemble du dessin fini.

Vous aurez chacun de ces éléments à l’esprit lorsque vous dessinerez, mais ils deviendront presque immédiats et involontaires à mesure que vous vous améliorerez et que vous vous familiariserez avec le dessin.

Tout comme lorsque vous avez plusieurs choses en tête lorsque vous conduisez une voiture – votre pied sur l’accélérateur, un œil sur la voiture derrière vous, un œil sur la voiture devant vous – ces pensées sont si subconscientes que vous ne savez même pas que vous les avez.

Certains de ces concepts que vous connaissez déjà, comme la ligne et la forme, mais vous ne les connaissez peut-être pas encore dans un sens artistique.

Ces compétences s’appuient également les unes sur les autres, ce qui signifie que la compréhension de ce que sont les lignes et de ce qu’elles font conduira à la compréhension des formes et des espaces négatifs, ce qui conduira à la perception de la profondeur et des proportions, ce qui conduit naturellement à la compréhension et à l’utilisation de la lumière et des ombres, ce qui vous aidera à voir le dessin comme une composition d’ensemble dans les limites de la surface du dessin. Ouf !

Concepts de bases du dessin

Approfondissons un peu plus les éléments de bases du dessin.

La ligne

La ligne est l’élément le plus fondamental du dessin. Et dans sa définition la plus élémentaire, c’est ce qui sépare une zone du plan de dessin de l’autre.

Une simple ligne divisera votre feuille de papier en “cette zone” et “cette région”.

Plus on ajoute de lignes, plus les séparations deviennent complexes et nombreuses : la lumière par rapport à l’obscurité, le premier plan par rapport à l’arrière-plan, l’espace positif par rapport à l’espace négatif.

La ligne peut être uniforme et avoir une seule largeur, ou pour être plus intéressante, et pour transmettre plus d’informations avec une seule ligne, une seule ligne peut avoir des largeurs différentes.

La ligne n’existe pas vraiment dans le monde réel.

Parce que la ligne (dans le monde de l’art) n’est qu’en deux dimensions – hauteur et largeur – elle n’existe pas dans notre monde en 3D.

En traçant une ligne, on dit “cette zone ici est maintenant séparée de cette zone là-bas par cette ligne”.

Mais dans le monde réel, cette ligne n’est pas du tout une ligne – c’est la surface d’un plan.

Si vous dessinez une ligne qui représente le côté gauche d’un carré, dans le monde réel en 3D, ce n’est pas un carré, c’est un cube.

Et sur ce cube, le côté gauche est en fait un coin qui est relié à l’autre surface qui est à angle droit par rapport à la surface gauche que vous dessinez.

Je ne dis pas que nous ne tracerons pas de lignes parce qu’elles n’existent pas dans le monde réel. Je dis que nous devons tracer des lignes parce que nous ne pouvons pas représenter le monde en 3D dans un dessin en 2D.

La forme

La forme se produit lorsque la première ligne est dessinée.

La définition la plus élémentaire de la forme est la zone blanche sur le papier délimitée par une ligne.

La forme est l’information qui est présentée entre deux ou plusieurs lignes, ou est la chose qui est entourée par une ligne. La forme est également définie par les autres éléments artistiques de la page comme les couleurs, les lignes, les ombres, etc.

La forme aide à définir l’objet représenté tout autant que l’ensemble des lignes qui composent l’objet dans le dessin.

Si l’artiste ne représente pas la forme de l’objet représenté, la forme qui en résulte fera que le dessin “ne ressemblera pas à ce qu’il est censé être”.

Par exemple, si vous essayez de dessiner un carré, et que seule une courbe de balayage est représentée dans votre dessin, mais pas de coins, votre forme représentera davantage un cercle qu’un carré. Votre carré n’a pas la forme d’un carré, mais plutôt la forme d’un cercle.

Proportion et Perspective

La proportion est la taille d’un élément d’image par rapport à la taille d’un autre élément d’image.

En d’autres termes, la proportion est ce qui dicte que chez les humains “normaux” ou “moyens”, les jambes sont plus longues que les bras, le majeur est plus long que l’index et le nez est de la même longueur que la largeur de l’œil.

Si la proportion est incorrecte dans un dessin, il n’a pas l’air “normal”.

Ainsi, si quelque chose est considéré comme “hors de proportion”, les proportions sont considérées comme non conformes à ce qui est connu pour cet objet particulier.

La perspective est l’illusion que les objets éloignés paraissent plus petits, et que les objets proches paraissent plus grands.

Pour faire apparaître une chose comme étant plus éloignée du spectateur que le plan de l’image, dessinez-la plus petite que l’objet qui est plus proche du plan de l’image.

La perspective semblera modifier les proportions si elle est exécutée correctement.

Si, par exemple, vous vous tenez à la tête d’un lit dans lequel une personne est couchée, ses bras peuvent sembler plus longs que ses jambes.

Cela est dû au fait que vos yeux sont plus proches de ses bras que de ses jambes, et la perspective indique que les objets proches semblent plus grands (ou plus longs) que les objets éloignés de l’œil.

J’ai réuni la proportion et la perspective en un seul élément de dessin parce qu’elles s’utilisent toutes deux pour travailler.

Si l’une est incorrecte, il y a de fortes chances que l’autre le soit aussi.

Ombres et de lumières

La lumière et l’ombre créent une profondeur et une atmosphère dans un dessin.

Pour qu’un dessin ait l’air “réaliste”, vous avez besoin d’une ombre car dans le monde réel, tout a une ombre.

Si vous dessinez quelque chose avec seulement une ligne d’une largeur constante et que vous ne rendez pas d’ombre, votre forme aura l’air plate, bidimensionnelle et irréaliste.

L’ajout d’une ombre ajoute automatiquement un petit peu de perspective au dessin, car l’ombre indique que quelque chose se trouve devant et/ou derrière l’objet, ce qui lui donnerait une ombre.

Il existe de nombreuses façons de représenter une ombre, il n’est pas nécessaire que ce soit une ombre profonde, riche et complexe, il peut être aussi simple que de faire varier l’épaisseur de la ligne que vous créez pour dessiner la forme.

L’ensemble du dessin

Avant même de commencer le dessin, vous commencerez à placer mentalement et automatiquement les éléments de votre image sur le papier.

Vous prenez en compte l’ensemble de la surface du dessin et vous associez vos éléments d’image à la forme de votre surface de dessin.

Par exemple, si vous voulez dessiner un corps humain entier de la tête aux pieds, vous devez placer mentalement la tête sur un côté (ou en haut ou en bas) de la surface de dessin afin de vous donner suffisamment d’espace pour pouvoir dessiner tout le corps et ne pas couler sur le papier.

La forme de votre plan de dessin vous aidera à déterminer la composition de votre dessin.

En effet, vous ne pourriez pas dessiner un gratte-ciel sur une feuille de papier carrée sans en couper le haut ou le bas.

Dans l’exemple de droite, voir l’ensemble du dessin signifie que lorsque vous commencez, vous savez où placer les yeux pour que le visage soit au centre.

De plus, savoir que la cravate va se détacher de la page, c’est être conscient de l’ensemble du dessin.

 

Dernière mise à jour le 2020-04-08. Liens et images fournis par Amazon Product Advertising API

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